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Monthly Archives: mayo 2008

Hoy nuestro fiel amigo nos lleva de viaje al lado mas negro de la música, y nos habla de sus estrellas predilectas en el firmamento del soul y el funk.
Comienza con Stevie Wonder y una magnifica interpretación de su clásico “Superstition“, el viaje continua de la mano de Curtis Mayfield, la canción que acompaña el relato es “Freddie’s Dead“.

Este nuevo bloque comienza con Isaac Hayes y una tremenda versión en vivo de “Walk on By“, seguimos con Marvin Gaye y su canción “Inner City Blues“. La cosa se pone infernal con la llegada de James Brown y una incendiaria versión de “Good Foot“.

Y cerramos este capítulo con dos grandes artistas, Primero el genial Sly Stone y su “Family Affair” y nos despedimos con Gil Scott Heron y la tremenda “The Bottle“.

Espero que disfruten de esta entrega, keep in touch.

Tuve la suerte de poder viajar frecuentemente a Brasil durante la primera mitad de los 90. Allí vivía mi padre y esto me permitía pasarme temporadas por estas tierras. Como era de esperar me empecé a interesar por los ritmos locales, empezando con los clásicos hasta llegar a los mas alternativos, o sea, de Antonio Carlos Jobim a Sepultura, pasando por todo lo que se puedan imaginar en el medio.
De esta manera llegue a gente como Legiao Urbana, Planet Hemp, Marisa Monte, Cassia Eller, Raul Seixas, Cazuza y también abrí mi corazón a Caetano Veloso, Chico Buarque y Joao Gilberto.
Pero hoy me voy a centrar en tres personajes que logran mixturar el sonido de la bossa nova con la electrónica, la psicodélia o el punk, solo por citar algunos ejemplos. Estamos hablando de Moreno Veloso, Domenico Lancellotti y Alexandre Kassin.
El proyecto de estos tres músicos comenzó en 2001 y se completó en el 2007. Durante esos años sacaron tres discos, el primero fue “Maquina de Escrever Música” firmado bajo el nombre de Moreno + 2, supongo que esta elección se debe a que este joven es el hijo de Caetano Veloso y eso le daba un tirón extra al proyecto. Este disco es una pequeña maravilla de la mixtura. Mucho sampler, electrónica, bossa y psicodélia, las influencias paternas se hacen sentir pero en ningún momento Moreno pierde personalidad. Mi tema favorito es “Deusa Do Amor“, recuerdo que en vivo Domenico acompaña frotando con sus manos dos lijas de pared para hacer la base del tema, todo un detalle.
Luego fue el turno de Domenico + 2, el título de este trabajo fue “Sincerely Hot”, este quizás es el trabajo mas ecléctico del grupo, sigue en la misma línea del anterior pero un poco mas radicalizado y extremista en la mixtura sonora, presentado este trabajo los pude disfrutar en vivo en La Casa Encendida y recuerdo que el concierto fue una fiesta de principio a fin, ver como funcionan como banda es una experiencia muy agradable, cambian de instrumentos como de protagonismo, realmente parece que no hubiera ningún tipo de ego imperante y que lo único que importa es la fiesta que generan con cada una de sus canciones. Una de mis canciones favoritas de este disco es la neurótica “Allegria”.
Y su último trabajo completa la trilogía, se trata de Kassin + 2 y su disco “Futurismo”, este sigue en la línea de los dos anteriores pero ya mas cercano en su sonido a gente como las chicas de Cibo Matto, Sean Lennon o los Beastie Boys cuando se ponen cool e instrumentales. Personalmente espero que sigan trabajando como proyecto conjunto ya que las tres obras que entregaron hasta ahora tienen un nivel muy alto, y los invito a todos Uds. a conocer el trabajo de estos artistas, les puedo asegurar que no se arrepentirán de vivir esta grata experiencia.

Esta vez nuestro protagonista divide su corazoncito en dos partes, Argentina y España.

Y para vuestro deleite recomienda artistas de ambos países, comenzando con Lisandro Aristimuño de Argentina y su canción “El Árbol Caído“, seguido por Abraham Boba de España y el videoclip de “Fuga de Alcatraz”. Nos cuenta lo que sabe sobre Catupecu Machu y su tema “A Veces Vuelvo” .Presenta el último corte de Sidonie “Los Olvidados” y para terminar con la altura que se merece nos habla de Pez presentando su nuevo corte “Último Acto”y cierra con Nacho Vegas y Cristina Rosenvigne con su “Verano Fatal”.

Esperamos que disfruten de esta dosis de música, aceptamos criticas y halagos.

Un abrazo.

En uno de mis primeros post contaba la historia de un disco que me regalaron al cumplir los 11 años que cambio completamente mi cabeza, esa fue mi manera de entrar en la obra de uno de los artistas más importantes de mi país, me refiero a Luis Alberto Spinetta.
El ocupa en mi corazón el mismo espacio que Charly García, lleva todo este tiempo cantando en mi vida, muchas de sus canciones están grabadas a fuego en mi memoria.
Su obra es inmensa y genial en cada una de sus etapas. Su primer disco se grabó en el año 1969 cuando formaba parte del grupo Almendra, ese disco es una obra maestra, “Ana no Duerme”, “Laura Va”, “Fermín” y mi favorita “A Estos Hombres Tristes”, un relato tremendo sobre la soledad, que al día de hoy me sigue partiendo el corazón.
La historia continúa con Pescado Rabioso, uno de los grupos más rockeros de aquellos años. Canciones como “Post Crucifixión” o “Despiertate Nena” son claros ejemplos de la potencia sonora de esta formación.
Luego vino la etapa de Invisible, su obra se volvió mucho más compleja, tanto a nivel sonoro como poético, aquí se comienza a construir el personaje de Spinetta que la mayoría de la gente conoce, canciones como “Jugo de Lúcuma”, “Durazno Sangrando” o “Los Libros de la Buena Memoria” forman parte de lo mejor de su cancionero.
Los años ’80 comienzan con una de sus mejores formaciones, Spinetta Jade. Discos como “Alma de Diamante” ó “Los niños que escriben en el cielo” confirman mis palabras. En esta época publica uno de mis trabajos favoritos “kamikaze” un disco solista, acústico y con muchas de sus mejores canciones, en este trabajo graba un drama existencial llamado “Barro Tal Vez” que compuso cuando tenía 15 años, siempre que la escucho trato de imaginar la cabeza de ese adolescente escribiendo semejante maravilla.
Luego siguieron trabajos enormes como “Privé”, “Pelusón of Milk”, su regreso triunfal al sonido mas rockero con Los Socios del Desierto y su última etapa, más reposada pero igual de genial con discos como “Los ojos” y “Pan”.
Puedo seguir escribiendo horas sobre su trabajo, pero me gustaría que se animen a descubrirlo, desde ya les digo que no es tarea fácil, pero si se arriesgan a romper esa barrera les aseguro que no se sentirán defraudados en ningún momento, el universo Spinetta es infinito, los invito a sumergirse en el.

Dedicado a Spanish Zombie (pinchá el link de “los niños que escriben en el cielo”)

Y el post de hoy básicamente se trata de recomendaciones musicales a cargo de un gran amigo mío, el Campeón internacional de pressing catch, héroe de los niños y terror de los malhechores, Nada mas ni nada menos que el Chimichurri Asesino.
Y en esta primera edición nos sugiere amablemente la escucha de artistas de la talla de Eli “Paperboy” Reed, el argentino Juan Ravioli, internarse amablemente en la música country de la mano de Gram Parsons y para terminar los eternamente clásicos The Who, con una de sus obras capitales Quadrophenia. Espero disfruten de estas recomendaciones. De vuestros comentarios depende que vuelva a recomendar música o que solo se dedique a destrozar piernas o brazos en la dura lona del ring.
Un abrazo.

este post esta dedicado a Edgar (mi…ex webmaster?)

La frase que da título a este post lógicamente tiene una historia detrás, me la espetó en la cara mi mujer hace muchos años. Con esta sentencia me hacia responsable de su estado emocional por haber roto con ella la primera vez que comenzamos nuestra relación, allá por los tiempos de nuestra mas tierna juventud. Lo notable del asunto es que yo lo sentía como un reconocimiento a la influencia que había causado durante ese breve período de relación en su gusto musical. Espero que por este comentario las mujeres que leen este blog no me consideren un cretino, a más de 20 años de este suceso seguimos juntos, así que tan malo no debo ser…
En el post que hice hace un tiempo sobre Cocteau Twins les contaba como la música gótica o dark de los años ’80 llegó a penetrar profundamente en la juventud argentina, bandas como The Cure, Bauhaus, Echo & The Bunnymen o Joy Divison marcaron a una generación con su sonido melancólico y oscuro.
Recuerdo la primera vez que escuche “Bela Lugosi is Dead” de los Bauhaus, era una cinta copiada que me paso mi amigo Fernando, allá por el año 1987. La canción era extremadamente tétrica, y para colmo de males esta versión era extendida, 9 minutos de calvario y opresión. Ideal para cualquier corazón adolescente con ganas de conflictuarse al pedo.

De todas las bandas que sonaban en aquella época mi favorita era (y sigue siendo) Echo & the Bunnymen, este grupo fue un nexo perfecto entre dos generaciones, ellos estaban influenciados por gente como Los Doors o la Velvet Underground, y a su vez sirvieron de influencia a bandas como Radiohead, Oasis, Blur o Coldplay. En lo personal creo que su importancia en la música inglesa es comparable a la de los Clash.

Pero la banda que mayor cantidad de fans cosecho por mis tierras fue The Cure, creo que durante la segunda mitad de los ’80 la mitad de la juventud Argentina escuchaba a Robert Smith y Compania. La otra mitad bailaba imitando a una gallina creyéndose Mick Jagger al ritmo de “Under my thumb” en la versión del mítico disco en vivo “Still Life”. debo reconocer que amo a los Rolling Stones pero esa versión me da ganas de vomitar.

Yo elegí rendirme inmediatamente a la tristeza de Los Cure, como la gran mayoría llegué a esta banda gracias al disco “The Head on the Door”, canciones como “In Between Days” o “Close o Me” son indelebles en la memoria de una generación. Mi favorita de este disco es la inmensa “A Night Like This”, insuperable.
Lo mejor del asunto fue cuando empecé a escuchar sus trabajos anteriores, discos como “The Top”, “Seventeen Seconds” o “Pornography”, eran obras impresionantes, todos diferentes entre si pero con la marca registrada de Mr. Smith. Canciones como “Play for Today”, “Shake Dog Shake” o la juvenil “10.15 Saturday Night” son de lo mejorcito que se hizo por aquellos años.
Su pico de popularidad mundial fue con Disco “Desintegration”, este trabajo es para mi el último de la banda, siguieron sacando discos, tocando en festivales y reciclándose mil veces, pero ya no era lo mismo, en lo personal siento que Robert Smith ya no podía mas con el personaje. Y lógicamente, yo tampoco.
Y ahora, unos cuantos años después, cuando estamos en casa viendo clips en VH1 y aparece alguna banda de las citadas en este post nos miramos a los ojos con mi mujer para vez cual de los dos es el primero en soltar la frase “por tu culpa me hice dark” y reír con mil recuerdos de juventud.

La Velvet Underground es uno de los grupos mas importantes en mi vida, en lo personal hay un antes y un después en la música pop/rock a partir de ellos, ocupan en mi corazón y mis oídos el mismo lugar que Los Rolling Stones, Los Beatles, Los Doors, o Los Who.
Lou Reed y John Cale eran los protagonistas principales de la banda, sus carreras solistas demostraron lo enorme de su genialidad, pero el famoso disco de la bananita tiene otra protagonista fundamental y esa es Nico, el mito femenino mas bestia del rock junto a Janis Joplin.
Ya desde el título del primer disco de la velvet queda claro su lugar en la banda, cuenta la leyenda que Lou Reed no la soportaba y Andy Warhol (que ponía el nombre, o sea, la pasta) la impuso en la banda. No entra en mi cabeza que canciones como “Femme Fatale” o “All tomorrow parties” fueran interpretadas por otra voz. Ese inglés bestial y despojado de acento solo podía salir de la boca de este ángel alemán (o húngaro, no esta claro donde nació), esa voz seca, ausente y bestial es la indicada para esas letras y esa música.
Su belleza era tan particular como el timbre de su voz, su primer disco solista post Velvet Underground se llamo “Chelsea Girl” y en su momento no tuvo mucho reconocimiento, para mi es uno de sus mejores trabajos, contiene canciones bellísimas como “These Days” o “The Fairest of Seasons”( Wes Anderson uso estas dos canciones en su película “The Royal Tenembaums”), tuvo otros trabajos solistas muy interesantes como “The Marble Index”, “The End” y otro de mis discos favoritos “Camera Obscura”, un trabajo totalmente precursor para su época, lo mejor de este disco es una versión del clásico “My Funny Valentine” que puede partir el corazón mas duro en mil pedazos.
Lamentablemente Nico nos abandono en el año 1988, sufrió un derrame cerebral mientras paseaba en bicicleta en Ibiza, sus cenizas fueron sepultadas junto con las de su madre en una ceremonia íntima en la que sonaban sus canciones de fondo, una bella despedida.
Hace unos años editaron en CD un concierto grabado en el año 1972 en el teatro Bataclan de Paris donde se reunieron Lou Reed, John Cale y Nico 6 años después de la grabación del mítico álbum de la Velvet, este disco es una de mis joyas mas preciadas.
Los dejo con un fragmento de este concierto, espero que sea de vuestro agrado y sirva como presentación para aquellos que no conocían la obra de esta tremenda y fundamental artista.

Cuando me vine a vivir a España logre darme un gusto de mi juventud, comprar la revista Rockdelux en su país de origen, Recuerdo que conseguí unos números en Buenos Aires allá por el año 1989 y comparada con nuestra humilde revista Pelo pertenecía a una dimensión paralela, tenia muchas mas páginas y estas estaban repletas de información, fotos y entrevistas, mas allá que la revista Pelo fuera muy importante en mi adolescencia la Rockdelux eran palabras mayores. Gracias a ella conocí a artistas como Gabinete Caligari o la Fura Dels Baus.
Uno de los primeros números que compre aquí, allá por el 2003 venia acompañado de un CD con los artistas españoles mas importantes de la escena alternativa, así fue como llegue al protagonista de este post, el señor Nacho Vegas.
Debo reconocer que la primera vez que lo escuche no me gusto para nada, me parecía un vulgar imitador de Dylan y pase completamente de el. A medida que pasaban los años veía (mejor dicho, leía) que la critica especializada hablaba maravillas de su obra. Entonces ahí (soy tan snob) me empezó a picar el bicho de la curiosidad.
Y fue un verano maravilloso cuando volvía de Galicia y Asturias que mi amigo Elías me dio un CD con todos sus discos y me hizo escuchar la canción “ella me confundió con otra persona”. A partir de ese momento ya no pude volver atrás, Nacho Vegas había entrado en mi vida.
Un par de meses después de este acontecimiento salió publicado el disco que grabo a dúo con Enrique Bunbury, este disco no conoce la estantería de cds de casa, siempre esta al lado del reproductor, lo escucho constantemente, nació para ser un clásico.
Vegas es un problema, una vez que entra en tu vida y uno entra en sus canciones no se puede hacer nada, no existe escapatoria, tiene unas letras absolutamente increíbles, la música que las acompaña no se queda atrás, sus historias son cortometrajes o cuentos perfectos y su voz que al principio me irritaba ahora me acompaña a diario, no podría dejar de escuchar a Nacho Vegas.
Pude disfrutar del artista en vivo en varias ocasiones, en acústico con Xel Pereda, con Cristina Rosenvinge y con su ultimo proyecto, Lucas 15 (ya publique un post al respecto) y estas actuaciones sirvieron para confirmar mi percepción de su obra.
Canciones como “El Hombre que Casi Conoció a Michi Panero”, “Ocho y Medio”, “El Cazador” o “Días Extraños” son solo un mínimo ejemplo del talento de este músico asturiano, después de mucho tiempo de trabajo su obra se esta empezando a reconocer de una manera mas masiva, que esto suceda es genial ya que sería un tremendo pecado que su arte fuera valorado solo por unos pocos.
Personalmente les recomiendo que no lo dejen escapar, que lo escuchen y se sumerjan en su oscuro mundo. Eso si, no me hago responsable de los efectos secundarios que provoca, ni de la capacidad adictiva que genera. Todos mis amigos que cayeron en la trampa pueden dar testimonio de lo que sucede después de escucharlo. Esta en vuestras manos animarse a este oscuro placer.

Si hay algo que disfruto en la vida es regalar música, siempre estoy pasando discos a mis amigos, tengo la necesidad compulsiva de compartir el arte ajeno, me llena de regocijo cuando alguno de los agasajados me comenta lo mucho que disfrutó del material recibido, en algunos casos llegue a convertirlos en adictos que piden mas y en dosis mas altas.
Otra buena costumbre que practico es regalar música para los cumpleaños, tengo dos caballitos de batalla que no fallan nunca, uno es “Blue Valentine” de Tom Waits y el otro es “A Kind of Blue” de Miles Davis.
El de primero lo uso casi siempre para presentar a Waits a un neófito, disfruto horrores cuando encuentro en mi vida a una persona merecedora de Tom Waits y que no lo conoce, cada vez me quedan menos, pero cuando aparecen los ataco inmediatamente con este disco y de esta manera me garantizo su esclavitud al maestro de por vida. No elijo este disco porque sea mi favorito sino porque creo que pertenece a uno de los mejores momentos de la primera etapa de su obra y es el anzuelo perfecto para convertir al oyente en un futuro fan del viejo Tom, y pocos corazones sensibles se pueden resistir a canciones como la que da nombre al disco o la maravillosa “Chrismas card from a Hooker in Minneapolis”.
Y la segunda opción la uso cuando se que a una determinada persona le llego el momento de introducirse en el increíble y complejo mundo del jazz, en este caso hago entrega de mi disco favorito de Miles. Este es un disco increíble, rompedor en su obra en particular y en el mundo del jazz en general, la banda que acompaña al negrito de la trompeta es el dream team del jazz (el saxo lo toca un tal John Coltrane, otro sordo) es un disco muy agradable de escuchar y esto lo que convierte en un canto de sirenas para atraer oídos vírgenes al territorio del jazz.
Si no conocen ninguno de estos discos los invito a conseguirlos, si son de vuestro agrado no duden en regalarlos, que cuando la música se comparte se disfruta mucho mas.